En una ocasión la bailarina profesional Nelly, de procedencia griega, volvió a abrir el debate en una red “  Como bailarina (artista) se debería de tener la habilidad de crear un estilo propio… ver videos y copiar  a otras bellydancers no te convierte en una bellydancer”. La caja de Pandora quedó abierta una vez más, porque este pensamiento puede ser una verdad como un templo o una verdad a medias según los ojos con los que se miren y el momento individual y circunstancial dentro de la trayectoria y el éxito de cada bailarina.

Sería una falacia no admitir que nadie ha copiado a nadie en la vida. Desde el inicio, desde el primer momento en que alguien se inscribe en una escuela, aprende por imitación las enseñanzas de la maestra con todo lo que su estilo propio conlleva (postura, colocación de brazos, trabajo de manos, presencia,etc).No existe alumno que no absorba el estilo de los maestros y que, por mímesis, tiendan a bailar según le han enseñado pues, de otro modo, sería imposible por desconocimiento.  Es parte de la docencia, de la envergadura  de cualquier profesión artística, asumir que delegas parte de tu arte, de tu saber y quehacer en las personas que te escogen como fuente de sabiduría o como guía dentro de un territorio que se desea explorar. Es parte de la docencia,  también, asumir que esas personas a las que formas un día la curiosidad y el deseo de conocer algo diferente les lleve a otros maestros, incluso llegará un día en el que se sientan bien preparados y   se sientan seguros como para alzar su vuelo y atreverse en la andadura de la enseñanza y enseñar  a  la vez a otros aquello que tu enseñaste con cariño y devoción.  Este punto en sí ya da para abrir otros debates que  en este momento no voy a detenerme porque puede ser extenso: cuando un alumno decide estar preparado, la regularización académica de esta disciplina, maestros que nunca enseñan todo lo que saben por miedo a la superación del alumno, formaciones de nivel básico dudosas para que gente se autocalifique  luego de profesional y un largo etc que no viene a cuento ahora mismo, pero que iré desarrollando a posteriori en otros artículos.

En principio, todos hemos tenido un primer maestro y, por supuesto, una vez se ha encendido el duende del baile, se entra en la espiral del querer cada vez más y más y querer nuevas enseñanzas. Es entonces, en este frenesí de la inquietud y el saber, cuando se acude a  probar profesores nuevos,  a los que de nuevo se imitará mientras se le esté aleccionando. Es normal, en este punto de la trayectoria de la bailarina, mientras aún está siendo alumna,  que imite a aquello que desea hacer igual o parecido por el mero hecho de aprender bien. Es perfecto, una manera eficaz de aprender en un principio. Reitero para que conste, en un principio solamente.

Por este motivo,todos los maestros estaremos de acuerdo con que es necesario aconsejar a nuestros alumnos sobre la importancia que tiene recibir clases de otras fuentes:  sabemos lo importante que es recibir distintos estilos, nutrirse de lo mejor de cada maestro, incluso temporalmente imitar aquello que te gusta de uno y otro, porque precisamente dentro de esa búsqueda personal ( de lo que descartas y de lo que adoptas como tuyo) se encuentra el estilo propio.  La alumna, consigue finalmente, combinar todas esas enseñanzas y adaptarlas  en sus futuras creaciones coreográficas como bailarina según su forma de sentir y expresar. Con lo cual, el ciclo de imitación se termina para abrir paso a la entrada de un nuevo ciclo y etapa que es el de la exploración personal , la etapa en que la trasluce el estilo propio.

Durante el tiempo en el que la bailarina se está gestando,  y dependiendo de las motivaciones, comienza a ver un sin fin de vídeos en internet, ya puedan ser didácticos o de espectáculos. En este punto, me posiciono de dos formas latentes:  primero, el qprendizaje ha de ser contínuo toda una vida (inclusive siendo maestro) y una forma de refrescar ideas y estar al día es viendo videos en internet, de los cuales se puede aprender mucho observando (la creatividad nace de todo lo que sea inspirador). No hay que pasar por alto que un sinfín de bailarinas destacadas hoy día reconocen abiertamente haber aprendido viendo películas antiguas que protagonizaban Samia Gamal, Fifi Abdou, Naima Akef, etc… hoy en día, gracias a las nuevas tecnologías el abanico de bailarinas de referencia es cada vez más amplio. Es la única diferencia que se plantea con el antes y el ahora en el tema de los videos , pero siempre se han utilizado como herramienta de aprendizaje ; luego, en segunda instancia, tenemos la otra cara de la moneda, el peligro que entraña  Internet,y es que un sinfin de personas aprendan de tutoriales colgadas  en la red y se pongan a dar clases ( los tutoriales y videos didácticos son un apoyo pero nunca será equiparable un video a la presencia de un maestro físico), incluso plagiar directamente coreografías íntegras de otras personas o haciendo un popurri de varias, sin respetar en ningún momento el tema de las autorías. Este segundo aspecto es una absoluta falta del respeto hacia los profesionales que han sido las creador@s, pues ni tan siquiera se les hace referencia como coreógraf@s cuando esa pieza de baile representa su trabajo, su tiempo y su dedicación como para que al menos , ya que se utiliza sin permiso una coreografía, se haga un reconocimiento, un homenaje hacia la inspiración que pertenece a otra persona.

En definitiva,el problema  de la imitación radica en el hecho de bailarinas ya formadas y/o/quizás además maestras que lo único que desean es convertirse en artistas imitando a sus ídolos o bailarinas de referencia, ya no sólo sus pasos o movimientos más característicos, sino coreografías completas. Es en este punto cuando la frase de la bailarina Nelly se convierte en una Verdad Absoluta. No por ver videos en you tube y hacer un corta y pega coreográfico se es artista. Cuántas jóvenes que quieren ser “saidas”, “jillinas” “bozenkas”  “dinas” “diskevitches” etc.. En este sentido, Alina Laureola, bailarina y maestra en  Gran Bretaña, apunta un mismo pensamiento pero con diferente matiz “si tiene sentido el copiar, pero esto no te convierte en artista,podrás ser una  bellydancer, pero no una artista”. Y es justo aquí, donde nos detenemos ¿qué es aquello que hace de una bellydancer el que sea artista?? Artista no es cualquier persona que sabe hacer ochos, camellos, arabés, shimmies….la técnica siempre será crucial, como para un bebé lo es gatear para luego andar y más tarde correr.  En este sentido, mucha gente se apresura en querer aprender rápido , y desgraciadamente en una mayoría, mal, sin recaer en cuán importante es el tiempo en el que la técnica comienza a coger forma y consistencia, movimientos limpios y bien ejecutados. Luego una vez se tiene la técnica controlada, la bailarina debe recaer en que existe otro proceso paralelo a la técnica y que también he de ser contínuo, y que es el de la exploración interior, el reconocimiento de sentimientos, de experiencias, de emociones que tienen un pulso , un tono o una frecuencia que no pueden bailarse en cualquier pieza. Hay pues que tomarse un tiempo en encontrar los acordes, las notas, las melodías, los ritmos, los instrumentos que vibran dentro de nosotros y ver qué movimiento (cuándo, cómo y dónde) encaja como una pieza de puzzle sobre la música. La técnica es la misma para todas, pero los sentimientos y  cada persona en concreto es un mundo. Lo ideal es que cada uno recuerde que tiene un mundo dentro y que, de entre todos los mundos, se cree un enorme universo de estilos.

Concluyendo, sin técnica no se es artista,pero sin alma ,tampoco. Para llegar aser artista es imprescindible una equilabrada combinación de ambas.  Digamos que el  artista es quien en su búsqueda personal, guiado por las pasiones del alma, hace de su técnica un medio de expresión a través del cual consigue canalizar aquello que desea trasnmitir de forma única o propia.

Es evidente  que no se puede empezar sin tener noción  y quedarnos con el primer maestr@ que se cruce por el camino, mucho cuidado con el intrusismo. Se ha de estar próximo a lo que más te representa y que te ayude aprender con más eficacia.  Yo cometí el error de irme con cualquiera sin informarme previamente y a día de hoy me arrepiento muchísimo. Todo importa,desde el carácter del maestr@ hasta su particular modo de practicar la docencia, que muchas de las veces es independiente de su calidad como bailarin@. Se puede encontrar en este sentido, de todo: buen@s maestr@s que son buenos bailarin@s, buenos bailarin@s que no son maestr@s y buen@s maestr@s que no son bailarin@s. Y, dentro de una clase, lo que el alumn@ ha de sopesar principalmente, no es el valor del artista sobre el escenario- que sí el de admirarlo- cómo tener en cuenta su capacidad como docente,como instructor con conocimientos arduos y sólidos sobre una materia y que te permita acceder a ella  de la mejor forma posible.

Una vez reunida la información, has de recurrir a probar una clase con cada uno de los que han despertado ese interés  y contrastar enseñanzas y ambientes dentro de la clase(qué aire se respira: si tensión , si competencia, si buena onda, si existe compañerismo… todo eso también influye). Tened en cuenta de que una clase de danza te abre un espacio para que te puedas desconectar de la rutina y permitirte disfrutar. No te permitas estar incómoda en lo más preciado que se tiene: el tiempo libre. Paséate por distintas escuelas que para eso todas ofrecen una clase gratuita o de prueba y confirma luego cuál es tu lugar. Ninguna buena escuela te cobrará por probar, al menos una escuela honesta. Una compañera de profesión, Julia Méndez, comentaba sobre este tema lo siguiente “Normalmente, sin guia, uno tiende a elegir por cercania de la escuela con el propio domicilio o el trabajo,  por el horario o peor aún con el bolsillo, pero no suele prestar atencion al alumnado o al profesorado y eso es lo mas importante, en tu escuela tienes que sentirte como en casa, aunque te quede un poquito mas lejos de casa, o que el horario no sea exactamente el que preferirias o tengas que sacrificar unas tapitas de finde al mes, veras que merece la pena.”

Y así es, a veces no elegimos por la pereza de tener lo que está al lado de casa o el trabajo, otras por cuestión de compatibilidades de horario y, la más triste de todas y a su vez la más frecuentada, por el precio de las mensualidades. En relación al espacio-tiempo, sólo decirles que sí merece la pena trasladarse a cualquier lugar (ya sea caminando, en coche o transporte público) aunque sea media hora de trayecto, y estar en manos de un buen profesional. La calidad de enseñanza no entiende de distancia cuando hay empeño en querer aprender bien. En relación al precio ,sólo aclarar  que cada profesional marca su caché libremente y libremente el alumno es libre de pagar lo que estima apropiado y dentro de la balanza de calidad- precio, que ha de tenerla bien en cuenta si se ha informado y probado una clase. Como reflexión ,sólo pongo en alce una frase de mi amiga y apreciada maestra Alessandra Forte ” al final lo barato sale caro”.

Con todo esto sólo quiero expresarles  y hacerles ver que toda elección en la vida debe llevar un acto de decisión a conciencia. El elegir a tu maestro no es baladí. Y vale,no se trata de una elección de vida o muerte. No.  Se trata de una elección que a nivel personal te puede llegar a abrir puertas nuevas, nuevas ilusiones,  el aprender, el crecer, evadirte , el soñar o todo lo contrario, hasta el punto de no querer saber nada sobre esta danza tan maravillosa. Así que infórmense, contrasten y, sobretodo,  valora el cómo tu te sientas. ¡  Elige,que nada les frene de disfrutar de la belleza , la sutileza y la feminidad que despierta esta disciplina artística!

Con frecuencia encontraremos en currículums , webs, tarjetas de presentación etc de cualquier persona en esta profesión los siguientes calificativos: maestros, bailarines y coreógrafos. Algunos, los más echados para adelante se cuelgan las mismas medallas pero le podrán el añadido de oro de “profesional”.  Aclaremos pues, estos conceptos que se utilizan al libre albedrío ,a veces honradamente con esfuerzo y sacrificio y, otras veces porque es más fácil la tendencia del “pavorrealismo”, es decir, sin apenas tener experiencia, dedicación, estudio e investigación las dos o tres lanzadas de turno se adjudican un estatus dentro de la danza que es más propio del campo de la ficción que  el de la realidad que pretenden pintar. En este fenómeno del “pavorrealismo” se hinchan e hinchan las plumas para engrandecer y colorear la imagen propia al antojo y deseo personal, cuando, en el fondo, es sólo una apariencia, un castillo de naipes que con un suspiro cae derrumbado en cuestión de segundos. Y, si bien es cierto que hay que abrirse camino cuando uno confía y desea algo, la honestidad no debería de quedarse en el desván de la vergüenza cogiendo polvo.  Insisto una vez más y no me cansaré de decirlo: la honestidad es muy importante.

Más allá , Leyla Zahar,  maestra y profesora profesional de Puerto Rico y con la que tuve la oportunidad de tomar unos talleres en Madrid, me etiquetó en una nota publicada en Facebook precisamente sobre este mismo tema, alegando “Muchas  son las personas  que piensan, que tomando unos cursos  de cierta cantidad de tiempo ya se graduaron de “Bailarines de Belly Dance”, y por ende se convierten en Maestros, lo cual es un gravísimo error, primero  porque tenemos que poner en una balanza lo que es ser Maestro y lo que es ser Bailarín y Segundo porque no todo Bailarín es Maestro y la experiencia del Maestro no se compone de una graduación, una clase, un título y ya está.”   Esta preocupación invade a much@s personas dedicadas a esta danza y existe una necesidad de aclarar,de teorizar, de marcar pautas, de guiar y hacer entender, sobretodo a quienes empiezan, la responsabilidad, la dignifiicación y respeto que se merece esta danza.

Así pues, pasaré a describir conceptos para matizar diferencias y aclarar su debido uso:

1) Bailarin:  dícese de la persona que practica o se dedica profesionalmente al baile. Aclarando que vivir “profesionalmente” es vivir únicamente de este arte y no tener oficio paralelo , realidad que sólo muy pocos tienen la oportunidad de vivir: mencionaré pues a algunos bailarines profesionales que se ganan la vida recorriendo el mundo haciendo espéctáculos de calidad como Amir Thaleb, Yamil Annun, Saida,  Munique  Neith , Tamallyn Dallal,  Jillina, Sabrina Collman, Bozenka, Orit Maftsir,  Daria Misketvich, Tito Seif, Horacio y Beata y un largo etc de profesionales  dignos de ser nombrados - pero ahora mismo- estos son los primeros que me han venido a la cabeza.
Un buen bailarín - profesional o no-  muy independientemente de cómo sepa bailar puede tener la capacidad de enseñar lo que perfectamente sabe hacer con su cuerpo. No es nada nuevo, el hecho de asistir con entusiasmo al taller de tu bellydancer favorit@ y no gustarte nada la manera en que enseña.  Una cosa es el saber bailar y otra bien distinta, el transmitir. Por fortuna, a veces encontramos bailarines profesionales que son, en efecto, portavoces del arte, hijos pródigos que han sido destinados para vivir y transmitir la danza como auténticos mesías. Son, sin duda alguna, los maestros de maestros por excelencia.

2) Maestro: en sentido general, es una persona a la que se le reconoce una habilidad extraordinaria en una determinada área del saber, con capacidad de enseñar y compartir sus conocimientos con otras personas, denominadas discípulos o aprendices. El maestro  puede ser o no, un buen bailarín. A grandes rasgos,  el maestro, a diferencia del mero bailarín, lleva tras su espaldas una labor de investigación, de reflexión y  de contínuo aprendizaje. Se esfuerza en hacer comprender a sus alumnos las técnicas  de los pasos desglosando con sabiduría los movimientos que corresponden y la correcta colocación postural, recurriendo muchas veces a  ejemplos esclarificadores y teorías que faciliten la comprensión del movimiento. El buen maestro se preocupa no sólo de explicar lo mejor posible cada paso sino que además se informa no sólo del baile sino de la cultura, de la música y su significado, de la lengua árabe, de su religión, de la correcta vestimenta que ha de utilizar dependiendo de la canción escogida, del público al que se dirige y el tipo de baile que se retrata.  Un buen maestro no sigue el método de “follow the leader” , es decir, de ponerse a bailar y los alumnos seguirles detrás como si  de una clase de aerobic se tratase y sin corregir al alumno.  . Con todos mis respetos y sin ánimo de ofender a nadie esto no es ser maestro, a no ser que estemos hablando ya de niveles de avanzado en el que propio alumno busque un maestro al  pueda seguir sin problemas para coger soltura , ya sabiendo ejecutar correctamente los movimientos, comboinaciones y desplazamientos,y donde  el maestro sólo para y corrige cuando así lo oportune. Sin embargo, recuerdo aún en mis primeros años “profesores” que me hicieron perder un valioso tiempo y dinero por no saber explicar ni enseñar y , una detrás tratando de imitar sin saber los mecanismos que intervenían. El buen maestro es, sin margen de error alguno, el que trata de enseñar con el fin de que su propio alumno pueda superarlo, y, por ello, sentirse enormemente gratificado y contento. Ya mencionaré en otro artículo más detallado a la figura del maestro muchos temas concernientes a él (cuando el maestro no enseña todo lo que sabe o dosifica conocimientos a cuentagotas, cuando ridiculiza al alumno, cuando desmotiva en vez de cultivar la superación del alumno, cuando trata de explicar bien las barreras que tuvieran que atrevesar etc) Demasiados matices en torno a la figura del maestro para el tema a tratar que es simplemente el de marcar notorias diferencias entre bailarín, maestro, coreógrafo , según los casos “profesional”. Recomiendo enormemente, para quienes quieran empezar a leer ya sobre este tema del maestro, el artículo “la figura del maestro” publicado al respecto por una compañera a la que admiro muchísimo, Kayra, argentina afincada en España desde hace años, que a parte de su labor docente y  excelente bailarina, también se dedica a teorizar temas en torno a la danza.

3) Coreógrafo: el coreógrafo es el creador de la coreografía o composición del baile, tanto para la danza como para otros espectáculos  .
Para llegar a ser buen coreógrafo es necesario haber adquirido una larga experiencia como bailarín trabajando con maestros y coreógrafos de buen nivel, aunque la capacidad de componer bailes es una capacidad también innata equiparable a la de un pintor o cualquier otro artista.  Y,  como bien explicaba Mercé Cunningham  en su libro El bailarín y la danza ” Incluso con tanta preparación, por muy complicado que sea, una coreografía no tiene sentido si no se convierte en danza”.  En este sentido, no sólo es cuadrar ocho caderas en ochos tiempos, no se trata de hacer repeticiones sin tino de lo mismo, de hacer “shakiradas”,se  trata de interpretar, de prestar atención al alma, de componer figuras, de aprovechar el espacio y los recursos de escena, gestos , direcciones, de entender y escuchar repetidamente una pieza y encajar los sentimientos sobre notas y pautas musicales, respetando, cuando así se precise, las rutinas  adecuadas de cada uno de los estilos que engloban la danza oriental . Así que por favor, para autodenominarse y ser coreógrafo hay que trabajar  enriquecidamente una coreografía y mucho más cuando lleva unida la palabra “profesional”. De hecho, como comentaba antes existen bailarines y maestros que no son coréografos.

Con este pequeño esfuerzo en explicar mi visión de cada cosa sólo quiero aclarar  que la finalidad con la que lo escribo esto  es la de que , quienes quieran adentrarse en esta danza lo hagan si el pulso vital así lo dicta, la danza abre sus puertas a todo el mundo que así lo desee de corazón. Sin embargo,hay que tener en cuenta la honradez, la humildad, la paciencia para el éxito/triunfo/reconocimiento. Será primordial el respeto , en primera instancia, hacia sus compañeros más veteranos y los grandes maestros, y, en segunda instancia un enorme respeto  por la Danza en sí misma que es lo que más puede verse perjudicada.  A veces,  me entristece mucho ver cómo determinadas personas que dicen ser  “bailarinas, profesores y coreógrafos profesionales”  lo único que hacen es deformar la idea de esta danza en lugar de enriquecerla creando falsas ideas y percepciones de este baile. Quien quiera presumir de profesionalidad en cualquiera de estas áreas ha de asumir la responsabilidad enorme que conlleva.

Desde entonces, un sin fin de maestras de maestras a nivel nacional  como Nigma, Gloria Alba, Nesma, Samara Hayat, Ana Saaeda, Deborah Korek, Munique Neith, Aida y Zuel,etc   también apostaron por este nuevo grado de enseñanza  profesional,  diferenciándola de clases regulares e intensivos, en el sentido de una formación con un procedimiento más teórico y detenido de la técnica.

Dado que no existe regularización académica de esta danza, y , ningún título que te avale de nada,  este tipo de formación despertó una enorme demanda en bailarinas con ganas de abrirse un camino en la danza y perfeccionar su baile , al fin, avalado por algo. Es cierto, que no todas las motivaciones a la hora de ingresar en un curso de este tipo son las mismas. Existen alumnos que deciden hacerlo simplemente por el mero aliciente de saber más y ahondar en la materia, sin perspectivas futuras de lucro, sin ánimo de obtener un titulo que avale una formación profesional, y que , por ende, te convierten en “profesional”.

Es cierto, que en este tipo de formaciones adquieres información en cierto modo “privilegiada”. Aprendes a diferenciar  y matizar estilos (shaabi, baladi,clásico egipcio, estilo cabaret, kalige,danza nubia, folclore, dabke,etc), comprensión de estructuras musicales árabes y ritmología aplicada , uso de elementos(sable, alas, velo, puñales,pandereta,crótalos, candelabro, velas) cómo utilizar el espacio escénico, creatividad y expresión, cómo combinar pasos y secuencias,etc. Cada maestra  hace especial hincapié en lo que para ellas es primordial dentro de la enseñanza y la danza, lo cual es  bastante enriquecedor.

En teoría, estas formaciones profesionales surgen cómo desmarque al resto de enseñanza regular y de los hasta entonces seminarios intensivos y monográficos en cuanto a temática y forma de transmitir una enseñanza. Pero, en el fondo,tampoco es así realmente. El temario de las distintas formaciones se suele aglutinar en unos 6 fines de semana con un total de 12 horas aprox. por fin de semana (tiempo escaso para aprender en profundidad tanta materia como es debido). Sí existe una notoria diferencia en el precio de las cuotas, precios desorbitados que hacen de este tipo de cursos, antes que una formación profesional, un auténtico negocio.  Pero, en cuanto enseñanza, se recibe lo que una maestra, de por sí, suele enseñar en sus clases regulares o intensivos.

Me viene a la mente aquello “del mismo perro con distinto collar”;  en este caso, se pasa de pagar un collar de cuero a un collar de diamantes.Existe siempre excepciones, maestras con sentido común como Gloria Alba , que ofrece la formación profesional más económica y con un valor teórico importante, a las que cobran un verdadero pastón  y ofrecen una formación de nivel básico.( sin ánimo de menospreciar el trabajo de nadie, ojo, cada cual enseña lo mucho o poco que sabe).  El abanico se abre desde formaciones de engañabobos, a formaciones buenas pero escasas de material didáctico, a formaciones instruidas por buenas bailarinas que no docentes, o a formaciones basadas en arduos estudios e investigaciones.

Independientemente de la cuestión del precio, (que aunque lo pongo en cuestión porque me parece abusivo en algunos casos, sí me gustaría aclarar que cada cual es libre de poner el precio que se desee y quien quiera, que lo pague) ,  y del recibir en algunos casos verdaderamente una información investigada como , por ejemplo la de Nigma , se desata un mal peor, y es que finalmente estas formaciones exprés se convierten en el trampolín para que cualquier persona, independientemente de su nivel y sus años dedicados a la  danza, se autocalifique de profesional y rápidamente trate de buscarse la vida en la danza aclarando lo primero de todo en biografías, que son profesionales por recibir estas formaciones en las que ni si quiera se hacen exámenes de prueba de nivel para acceder (cosa que la escuela Nieblas de Avalon dirigida por Morgana lo llevan como debe de ser a raja tabla) ni pruebas para la obtencion del título: con asistir es suficiente.

Así, empiezan a florecer personas que  en un año o menos de clases ya se venden al mercado como profesionales y es justo aqui, donde esta el talón de Aquiles de esta corriente en vigor de formación profesional. Parece tontería, pero es grave, las maestras de maestras están tirando sin querer piedras contra su propio tejado. Una chica de un año entra en mercado en calidad de profesional al igual que el profesional que es profesional porque lleva toda una vida dedicada a la docencia. Cuántas bailarinas nuevas que dicen ser avalados por el Centro Internacional de Danza de la UNESCO (CID) porque han realizado la formación por una profesora que es miembra, cosa que no es así. Insisto, no existe homologación ni entidad que respalde nada. Y, aunque todo cae por su propio peso, las nuevas maestras “profesionales” y las no tan nuevas, cada una, finalmente, ocupará el sitio que le corresponde. El problemón está en aquellas personas que quieren introducirse en esta danza y acuden a estas “profesionales” porque así un título , encima , no homologado, lo avala.  Disculpenme, pero considero que hay que adentrarse en la danza desde la humildad y el respeto, la consideración y el sentido común. Es primordial.

Entonces, si las personas que realicen estos cursos tuviesen un acto de conciencia y de respeto y veneración a la figura del maestro y del verdadero profesional( lo que supone serlo y llegar a serlo), no entrarían en este tipo nomenclaturas para justificar su calidad de bailarin@ y docente.  Los nuevos maestros pueden y han de mencionar -por qué no-  toda su formación, y, si han hecho estas formaciones,que lo comenten sin problema ,para eso se han instruido en ellas. Sin embargo, debe haber pues, un acto de honestidad en el alumno que recibe esta formación profesional a la hora de autocalificarse en el mismo nivel de su formador (una cosa es hacer el curso de formación profesional y otra serlo) , al mismo tiempo que el maestro debe insistir  en que este título no te acredita como profesional sino como asistente de unos módulos más específicos y que te ayudan a perfeccionar y profundizar en materias más concretas.

En este sentido, tiene mucho más lógica utilizar los términos acuñados en Brasil y parte de Argentina: cursos de Perfeccionamiento Técnico.   Y punto. Que la palabra profesional , que es tan golosa a la par de engañosa, haya que ganársela.Que la profesionalidad no se compre con descaro, sino que se adquiera por la benevolencia y sabiduría  premiada por los años de experiencia y de reconocimiento unánime o mayoritario dentro del gremio. O también sería acertado, a última instancia denominar estos cursos como acuñó Samara Hayat de “Entrenamiento Profesional”.

Y, puestos a formaciones profesionales, que sea algo de más rigurosa seriedad. Que las futuras profesoras de los distintos puntos de España  se formen bajo un mismo temario  independientemente del profesor con quien decida formarse ,y que exista un núcleo central,sea Madrid o Barcelona, donde las personas que quieran examinarse como profesionales tengan que hacer una prueba anual ante un tribunal formado por profesionales de renombre y durante un periodo de cinco años, como cualquier  otra disciplina artística regulada por un Real Conservatorio.  Sé que no es fácil conseguir una regularización. pero por dios, hay que poner freno  a este caos disparatado de “profesionales exprés”, en perjuicio de lo que más amamos y más está siendo dañada: la danza.

El papel primordial de una coreografía es que nos permite hacer una composición encadenada de movimientos, pudiendo hilarlos con la máxima precisión, y por ende,pudiendo cuidar cada detalle de la puesta en escena con mucha minuciosidad. Nada en una coreografía se deja alazar. Cada movimiento, cada gesto se ubica pues en el momento y lugar adecuado o exacto. Es más , detrás de cada movimiento se esconde una profunda decisión y elección dentro de las numerosas opciones inspiradoras y creativas.

A través del trabajo coreográfico podemos  entonces,controlar el resultado final de una pieza en cuanto a factores ponderables se refiere.   Si no ocurre nada ajeno/ extra-diejético a la figura del bailarín, es posible repetirla y que quede exactamente igual, dado que hemos ajustado tiempos y coordenadas espaciales sobre el tiempo y una estructura musical.

Con lo cual, el trabajo coreográfico resulta enriquecedor para la alumna en un principio ya que le aporta seguridad en su baile puesto que no corre el riesgo/ miedo frente la improvisación .

El desarrollo de la memoria coreográfica, al igual que cualquier otro tipo de memoria depende básicamente en la atención y concentración prestadas. Si bien la capacidad retentiva siempre será una ventaja,en su ausencia siempre puede verse solucionado a base de repetir y repetir una y otra vez hasta que la memoria por fin retenga la información necesaria para encadenar unos movimientos con otros.

A la hora de desarrollar la memoria coreográfica se ha de tener en cuenta varios aspectos:

a)El primero de todos es, sin duda , el estar bien familiarizado con los pasos, esto es , saber ejecutar  bien el paso como saber el nombre del paso.  Si ambas cosas están controladas ya tenemos más de la mitad del camino ganado.

b)Transcribe la coreografía y apunta los pasos en un papel, así podrás consultar cada vez que tengas una duda.

c)Ve aprendiendo poco a poco, secuencia tras secuencia. Simplificar la coreografía por partes facilita el aprendizaje, mucho más que el querer ensayarla de principio a final de una vez.

d)Observa a tu profesor y escucha sus consejos e indicaciones.El aprendizaje de un alumno, sin la menor duda, depende del maestr@ que enseñe y de lo que él se puede aprovechar y sacar en beneficio.  Si el maestr@ se detiene en explicar y se esfuerza en que el alumno retenga bien una secuencia de pasos antes de continuar con otras, así como estar siempre al frente de la clase para que el alumno lo tenga de referencia.

e)Deténte en entender la música que se está interpretando y que el instructor/maestr@ habrá elegido meticulosamente para ofrecer un buen taller/clase. Si se escucha detenidamente la canción, fácilmente identificaremos o asociaremos ciertos pasos a ciertas partes instrumentales o también a partes de la lírica. Es muy positivo escuchar la canción repetidas veces y llegar incluso a estructurarla en distintas partes/ segmentos.

f) Otro ejercicio que viene bien para entrenar la mente son las visualizaciones. Poner la música, cerrar los ojos y visualizar la coreografía mentalmente.

g)En último lugar, la práctica es lo que hace al maestro, con lo cual, una vez pasado el umbral de la comprensión coreográfica y  la empatía musical, lo que toca a continuación no es otra cosa más que la de practicar, practicar y practicar hasta que seamos capaces de asociar todo e interiorizarlo de tal modo que finalmente se ejecute la coreografía con total espontaneidad y naturalidad.

Además,aconsejo que el alumno se marque metas realistas, que no intente ir a por una coreografía que no es de su nivel y que se tome su tiempo para aprenderla. Que siga su propio ritmo interno sin presión alguna. Lo importante es llegar a la meta, no importa si antes o después.  Para
ello no debe compararse con el resto de alumnos.  Lo mejor es conocer los límites y aceptarlos alegremente.A veces, cuando se acude a clases/seminarios con grandes maestros el alumno principiante sólo ha de ver su propio esfuerzo y no sentirse pequeño al lado de otras bailarinas más
experimentadas. Y, aunque no se consiga aprender o seguir todo - si te vas con dos pasos bien aprendidos, ya se  ha ganado algo- , lo importante es estar e intentarlo, seguro que llegará el día en que se siga sin problemas. Sólo hay que re-direccionar nuestra predisposición y sustituir el miedo/vergüenza/inseguridad por la positividad, la superación y, ante todo, las ganas de disfrutar bailando.

De entre las sombras emergen almas abundantes de miedos, complejos, inseguridades y envidias. Hablamos de un tipo de seres - en danza del vientre mayoritariamente mujeres- cuyos rasgos más característicos y pronunciados, no ayudan, en absoluto, a la supervivencia del arte sino que, por el contrario, propicia su destrucción.

Cuesta reconocer las virtudes de los demás, alegrarse por los progresos ajenos así como de el éxito que los esfuerzos tienen como recompensa, tanto en maestros como en díscipulos. Es motivo de conversación- si se puede llamar conversación al critiqueo- desde el pañuelo de monedas hasta a un peinado, un movimiento, un culo gordo, unos pechos de silicona, unas lentillas, una mala foto, una sonrisa que encandila. Cualquier minucia es excusa para la aniquilación de la danza y en perjuicio de ésta.

Por un lado, entre compañeras se esconde información de cursos con buenos maestros. No existe un traspaso de material didáctico ni de dvd´s, música, libros, ni de trucos para perfeccionar la danza y avanzar en el aprendizaje…ni de “ná de ná”.Cada cual guarda este tipo de información como si guardasen el tesoro de la piedra filosofal. Mucho más que las fotos de garantía barata con grandes maestros para avalar que has sido “formado por”, aunque de pronto, sólo se hallan tomado escasas horas de clase y aleccionamiento.

Tampoco interesa avisar de eventos o espectáculos donde principiantes quieren abrirse paso simplemente por la tortura del qué dirán o de si en el mañana a otra chica le pueda interesar bailar en un mismo lugar. Sí, ya en la simple estratosfera de aficionadas que quieren tomárselo algo más en serio, este tipo de ridiculeces ocurre. Las posibles futuras profesionales, áun siendo iniciadoras y aprendices, ya se miran por debajo del hombro preparando el camino tortuoso de la competencia.

Por otro lado, muchos maestros guardan su profunda sabiduría por temor a que el alumno pueda superarlo o bien, dosifican porque no salen bien las cuentas e interesa mantener a una persona pagando a largo plazo. Ahora está de moda, aprovechando las dificultades de abrirse camino en la danza, los cursos Express de formación profesional. Cursos que son, antes que cosa seria, un cajero automático. Mucho dinero fácil. Cantidades desorbitadas de dinero por escasas horas de clases como para ser , si acaso, el amago de un profesional. Además, por si fuera poco, lo que se puede llegar a pagar por la profesionalidad que se vende… es como para dedicarse a ser jueza de injusticias, a ser frutera, dependienta… o vaya usted a saber. Lamentablemente es así, el marketing y el divismo parece priorizar a todo lo demás, incluso a la danza.

Algunos maestros llegan a vender discos pirateados a precio de oro por tres canciones; entre ellos se quitan carteles y publicidades, recelosos de que otros puedan acaparar su clientela, cuando, en realidad, el Universo que puede crear la danza es infinitamente inabarcable como para que haya espacio y trabajo para todos. De hecho, cuanta más personas puedan tener acceso a la danza, mejor. La verdadera misión de todo artista es que el arte se propague. Es bastante siniestro, de hecho, que entre maestros existan tantas puñaladas traperas y tan poco aprecio a lo que ellos aman, dado que , principalmente,no desean que otros también alcancen a amar una misma pasión.

Nada tiene que ver pues un nido de cucarachas con el mundo del arte. Todos, maestros y discípulos, critican y, entre tanta egolatría artística, finalmente la individualidad es lo más importante, y no la fuerza que el conjunto pueda aportar a la danza. El éxito y la superación de los demás debería ser considerado como el de todos, porque el fin, el verdadero fin de toda esta pantomima de artisteo, no es el artista, sino el arte - en este caso , la danza- del cual el artista es mero instrumento de difusión.

Horacio Cifuentes y su pareja artística y sentimental Beata, como grandes profesionales viven íntegramente de esta danza:  tienen su propia escuela  ” Cifuentes Dance Academy ” en Berlín, se dedican a hacer workshops y shows por un sin fin de países a lo largo del globo y además producen cd´s - con piezas pensadas por y para el bailarín en sus performances-  y dvd´s de sus espectáculos que artística y estéticamente se encuentran a día de hoy entre los mejores a nivel mundial.

Cuál fue la sorpresa de ambos al ver que sus producciones musicales tituladas en  la saga de “Oriental Fantasy” estaban siendo estrictamente plagiadas y por tanto, robadas por otras figuras de alto nivel, como Mohamed Kazafy y  haciendo especial mención a Khaled Mahmoud . No tuvo que ser fácil digerir esa noticia, ya que Khaled Mahmoud ha compartido incluso escenarios con ambos y siendo invitado especial en su escuela de Berlín para impartir seminarios y clases magistrales.

Cómo reacción, lógica y sensata, la pareja decide publicar unos videos dónde evidencian de forma palpable este acto inexcusable. Deciden coger sus cd´s originales y abrir los libretos , explicando que en ellas figuran la información de las canciones, información de los músicos así como la información referente de dónde han sido grabadas así como su pertinente  copyright . A continuación muestran las copias realizadas por Khaled Mahmoud, donde apenas sí aparecen todos los títulos de las canciones y donde ni siquiera aparecen los nombres de los músicos porque como explica Horacio ” ni siquiera ha pagado por ellos”. La pareja aún abierta a la dialéctica, deciden hablar con él y ofertarles- ya que está vendiendo su propia producción musical- un pack de cd´s a buen precio para que Mahmoud pudiese vender y , de este modo, todos sacar partido y beneficio sin faltar el respeto al trabajo de nadie.  Al parecer, Khaled Mahmoud no consideró que estuviese ejerciendo ningún mal plagiando en su totalidad los cd´s porque “todo el mundo lo hace” y porque considera que tiene “la libertad y el permiso de hacer lo que quiera”. La respuesta de Horacio y Beata en disconformidad por una actitud tan poco profesional fue la de publicar este video y que de la conciencia de los bailarines dependa el comprarlo y ayudar con la causa o no. El controlar si se prefiere lo legal o lo ilegal,  lo ético o amoral.

Producir un buen disco no es sencillo. Se puede recurrir, como bien explica Horacio, a sintetizadores y ordenadores y hacer simple música, o reunir a un determinado número de músicos, con buenas grabaciones , en estudios y crear música verdaderamente buena, teniendo en cuenta que su música está especialmente diseñada para shows con la duración adecuada para cada pieza. Producir un disco implica además de un enorme esfuerzo y energía para hacerlo, ante todo una inversión y riesgo económico. Lo que está claro es que no es justo que unos paguen los costes y otros se lleven los beneficios y se hagan el negocio que corresponde a otros destruyendo, a su vez,  las leyes del mercado.

Lo ocurrido no tiene nombre, pero tampoco es nada que a nadie nos sorprenda. Esto es lo que hacen una gran mayoría de artistas internacionales al finalizar sus worshops en festivales. Lo “normal” es que los maestros pongan en venta las canciones de las coreografías  junto a otras que consideran apropiadas para el baile, pero, hasta el momento, eran de productores que no eran bailarines y que ni se enteran del negocio negro que hacen a sus espaldas.  Sin embargo, esta vez han tropezado con bailarines- productores que han visto cómo perdían dinero mientras otros se enriquecían a su costa.  Sin desearle mal a nadie, me alegra que esto haya servido para que dos portavoces de la danza pongan los puntos sobre las íes y hagan frente a la comunidad de danza oriental en una toma de conciencia “  profesionalidad no es sólo bailar y lucir trajes bonitos, sino también tener una conducta o comportamiento profesional”.

De hecho, después de visualizar el video recordé - sobretodo al principio- cuántas veces me vi comprando cd´s pirateados en  festivales y escuelas porque quería buena música que no sabía ni de quién era ni dónde comprarla. Recopilaciones de distintos artistas que los bailarines con poner una foto suya lo hacen su propia producción- paradójicamente vendiendolos entre 10 y 20 euros, precio que directamente vale un original-. Y,  todo se resume en el llamamiento de Horacio y Beata a la comunidad oriental ” Hacemos un llamamiento a la comunidad de por favor, cuando van a festivales o workshops por favor controlen lo que compren, no compren copies y pregunten por el original”.

Es hora, ya que profesionales de esta talla abren el frente, de no colaborar con la cantidad de tomaduras de pelo de  algunos maestros internacionales y nacionales que tratan de sacar a toda costa negocio con lo que sea, desde ventas de cds pirateados a cursos de maquillaje de mac,recurriendo, encima, a acciones ilegales y a competencia desleal entre los propios compañeros (bailarines y músicos) del gremio.

Yo lo tengo claro, ¿ustedes?

Para poder danzar al amor es imprescindible dedicar amor a cada acto que realices en la vida diaria y cotidiana. Permirtirse disfrutar de un baño, disfrutar haciendo la comida, degustar con calma el sabor de un buen té o café, disfrutar de la compañía de los amigos y de los seres queridos…

El amor es clave para todo y, para poder manifestarlo con grandeza en la danza, tenemos que ponerlo en práctica en todo lo que hagamos. Y, lo bonito de la danza, donde radica toda su magia, es que podemos expresar el amor sin necesidad de pronunciar palabra alguna. Tan sólo con la libertad que otorga el amor al movimiento podemos elevarnos y danzar en comunión con nosotras mismas y el mundo que nos rodea.

Pero, para ello, es más que fundamental la concentración y la toma de conciencia: para descubrir al mundo, entenderlo y disfrutarlo. Y así ocurrirá también con la danza: hay que descubrirla (estudiarla, conocer la técnica, pasos básicos, desplazamientos, etc) para entenderla y poder disfrutar de ella.

Es cierto que la vida se dispersa en océanos de problemas, tanto reales como imaginarios, y , al final, uno se halla fuera, en el exterior, más que con uno mismo. Por eso, es importante tomarnos un tiempo de atención. Tomarnos un respiro. Inhalar y exhalar. Dedicarnos tiempo a querernos y amarnos profundamente para crear una energía tan poderosa con la que podamos vencer todos los obstáculos con el poder del amor, con la ausencia de egoísmo dentro de uno mismo. De este modo siempre elegiremos las decisiones correctas: las decisiones del corazón.
A través del amor, de esa explosión de energía en nuestro interior, lograremos salir a flote, desbordantes de alegría, de ese océano revuelto del caos.

El camino para abrirse al amor , para que haya un equilibrio entre el mar y el cielo, es sencillo. Consiste en darnos permiso para llamarlo, sentirlo y deleitarlo. Porque aquello que pronuncies, aquello que atraigas hacia ti vendrá en tu busca. Disfrutando y amando tendremos la abundancia .Pero hay que escucharse bien para que el corazón te hable y te guíe, no te desvíe de los senderos que corresponden a tu verdadera esencia como persona. A tu alma.

Y no importa si el sendero está lleno de piedras que dificulten el andar porque todo forma parte de lo mismo, de la unidad que conforma la Vida. Así es. Hay que llorar para renacer, hay que reír para acordarnos en los momentos de tristeza, hay que sufrir para valorar y valorar para saber lo que se pierde y se gana. Conocemos, por ejemplo, la danza de la muerte y el renacimiento gracias a las estaciones. La materia ni se crea ni se destruye, sino que se transforma. Y lo mismo ocurre con nosotros; para vivir plenamente y en la totalidad, tenemos que aceptar la vida con todo lo que conlleva, incluyendo la muerte de uno mismo en los momentos más duros y el renacimiento de uno mismo en la superación. Sintiendo amor hacia todo.

Cuando podamos aceptar lo bueno y lo malo, lo positivo y negativo, vida y muerte, sólo entonces sentiremos la Totalidad, la importancia del ser uno con el mundo. Con el amor. Con la vida. Con la danza.

La autoafirmación en la mujer es algo crucial, pero, sin embargo, apenas se presta la atención necesaria. Nos recaemos en que las mujeres somos la base de toda sociedad, todo el tiempo. Somos las dadoras y creadoras de vida. Y, cuando la mujer alcanza ese auto valor y auto aprecio hacia ella misma, el mundo entero va a cambiar, porque desaparecerán los problemas dados de inseguridades y miedos, y por el contrario, triunfará la seguridad, la comprensión y la buena comunicación. Del apoyo de la mujer, de su forma y de su estructura depende su entorno más próximo, influenciando allá donde va con la frecuencia que emana su psique. Es por ello que toda mujer debería honrarse, dignificarse y aceptarse en ser como es.

Normalmente no tenemos una relación muy definida con nuestro cuerpo. Sabemos que tenemos un cuerpo, lo sentimos a veces, pero establecer una relación con el cuerpo es lo primero que uno debe concienciarse cuando se adentra en la danza y en el proceso de exploración y descubrimiento de su persona. Porque no sólo se trata de mover una cadera arriba u abajo, o de moverte sinuosamente, hay que saber qué es aquello que nos impulsa a hacerlo y que proviene desde lo más profundo de nuestra alma. Si uno es capaz de cerciorarse de esto, a la larga va a ayudar a establecer una relación profunda con tu mente, tu cuerpo y con tu corazón, con los cuales normalmente no nos relacionamos.
Cuando empiezas a conocer tu propia mente, sus grabaciones, sus patrones, su contenido y comienzas a descubrir qué hay detrás de todo eso, es cuando empieza a nacer la relación consciente con tu propia alma; relación con algo que está en forma de semilla, que no ha florecido todavía. En algunas personas florece y puede salir la fragancia y elevar con ese olor delicioso que todos tenemos adentro a muchas personas. Otras personas nunca la hacen florecer y se queda como marchitas.

El objetivo de la vida es que esa semilla se convierta en una flor maravillosa y que la fragancia emane a todas partes. El alma es la fragancia. El alma tuya es la fragancia que emanas, porque no se ve. Solamente la percibes, la sientes. Pero puedes transmitirla a través de aquello que la envuelve; puedes transmitirla a través de tu cuerpo si te dejas expresar libremente porque has conectado con aquello que quieres comunicar y compartir.

La danza es la Vida. La danza permite buscar y encontrar la unión entre mente y cuerpo. Y, en esa unión, vamos a lograr la unión con el Todo, la conciencia individual con la conciencia universal o conciencia superior . Esta conciencia universal no es algo fuera de ti; eres tú en tu mayor extensión, lo que implica disipar de toda limitación para ser una misma.

Para lograr el estado de consciencia, has de pasar por lo limitado: enojo, ira, orgullo… Tienes que conocer eso primero para darte cuenta de qué te hace sufrir, te hace daño. Por ejemplo, cuando alguien te ha dañado, cuando experimentas enojo, rabia hacia esa persona, es ahí mismo donde tú puedes descubrir tu compasión y tu nobleza. Tienes dos opciones: no reconocerte a ti misma o reconocerte con todo aquello que tu eres para evolucionar y poder cambiar con el poder de la autoafirmación. Saber quién eres, lo que quieres y a dónde vas.

Una persona que se conoce a sí misma aprende a aquietar su mente y a escuchar sus respuestas , porque no hay nada fuera de ti., y no necesitas nada ni a nadie. El proceso contigo misma está dentro de ti. No hay ninguna razón que haga a una mujer ser infeliz, salvo sus propias creencias. Cuando una mujer está en su centro, cuando una mujer está experimentando su ser infinito a través de expresiones que se manifiestan a través del arte, y, en este caso en concreto, de la danza, va logrando convertirse en la estrella que es… ¿ y saben que es una estrella?: cuando las dos polaridades, cuerpo y alma, se juntan. Cuando una mujer unifica su polaridad y se completa por dentro, se crea una estrella que brilla y emana luz a todas partes. Significa que tu estás en un estado no de necesidad ante la vida, sino de proyección ante la vida, proyectando tu ser , autoafirmando tu ser. ¡Manifiéstense a través de la danza y brillen con luz propia!

Orientalismo se llama al estudio de las sociedades del Próximo y Lejano Oriente por los occidentales. Con el término Orientalismo se conoce igualmente la imitación o la representaciones de aspectos de las culturas orientales en el Oeste por parte de escritores, diseñadores y artistas.
La pintura orientalista no es una escuela, ni un estilo. El vínculo entre las obras llamadas orientalistas se encuentra solamente en el tema abordado. Así las “odalisques” de Ingres, Delacroix o Renoir son cuadros orientalistas, pero su estilo es básicamente diferente y no pertenecen a la misma escuela.

Todo comenzó durante el siglo XVIII, cuando se puso de moda los cuadros que representaban las costumbres, forma de vida, arquitectura y paisajes de Oriente Medio. Si bien, al Principio, éstos tendían a ser estudios topográficos y retratos bastantes convencionales. Sería luego, a mediados del siglo XIX, cuando los pintores orientalistas empezaría a producir trabajos más novedosos y emotivos. Entonces la temática oriental se hizo cada vez más popular, al mismo tiempo que aumenta la accesibilidad al Medio Oriente y el expansionismo de Francia e Inglaterra avanzaba en Egipto y las áreas circundantes… Europa descubría una gran pasión por las cosas egipcias…

Aunque algunos artistas hayan dedicado casi todo su arte al temas orientalista, numerosos pintores cuyos cuadros se conocen sobre el tema de Oriente producían también cuadros sobre otros temas (ni Delacroix, ni Gérome eran pintores orientalistas). Al buscar bien, es probable que una enorme mayoría de pintores de género del siglo XIX abordara al menos una vez este tema.

Los temas abordados en la pintura orientalista se encuentran en la mayoría de los pintores.En el siglo XIX se encuentran sobre todo escenas de harem, presentando mujeres débiles y lascivas, escenas viriles de cazas, de combate o aún de las descripciones de paisajes típicos, desérticos, oasis o ciudades orientales, escenas de calle… Se hace hincapié en algunos detalles: los trajes, las particularidades de la arquitectura, los objetos de la vida diaria y el hábitat. En el siglo XX siglo y a partir del final del XIX, en torno a 1880, algunos temas caen completamente en desuso, como el tema del harem, en favor de un estudio etnográfico más preciso, de los paisajes más próximos a la realidad.

Para los pintores que viajaron a Oriente mientras que su técnica ya tenía éxito, se asiste a menudo a una evolución muy neta en su utilización del color. Los tonos son más cálidos, la paleta toma colores más rojos, amarillos o marrones según las regiones o las épocas. La luz es caliente, se acentúan los contrastes, los colores son vivos y tornasolados.

A pesar de todos estos puntos comunes al movimiento, cada artista trata los temas según su propia sensibilidad, sus opciones técnicas y su grado de virtuosidad. Las técnicas pictóricas así como los estilos evolucionan a lo largo del siglo en función de las experiencias de los artistas y de sus colegas y la aparición de nuevos movimientos artísticos. El orientalismo en pintura no escapa a esta evolución. Los pioneros adaptan muy rápidamente el tema de los nuevos movimientos artísticos, aunque una retaguardia persiste incluso hasta bien avanzado el siglo XX en una actitud clásica y académica.

Son muchos los artistas que practicaron la pintura orientalista. Entre los orientalistas franceses cabe destacar a Vernet, Gerome, Decamps, Landelle, Rixens. En Inglaterra no hubo el mismo nivel de entusiasmo que en Francia por el Oriente Medio, sin embargo, existió un buen contingente de pintores orientalistas.

Esta es la relación que nos ofrece VictorianWeb sobre los orientalistas ingleses: Thomas Allom, Sir Frank Brangwyn, Sir David Young Cameron, Robert McGown Coventry, Joseph Farquarson, John Fulleylove, Frederick Goodall, Dudley Hardy, John Rogers Herbert, William Holman Hunt, Robert George Talbot Kelley, Edward Lear, Lord Frederick Leighton, John Frederick Lewis, Arthur Melville, William James Muller, John Pettie, Valentine Cameron Prinsep, David Roberts, Thomas Seddon, Robert Tonge, William J. Webbe… Sin embargo, esta relación no debe considerarse un listado cerrado, pues muchos otros pintores ingleses fueron asiduos a los temas orientalistas, tales como Lawrence Alma-Tadema, Alfred Elmore, Edwin Longsden Long y Herbert Schmalz.